Résidences

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À partir de l’automne 2023 et pour une durée indéterminée, l’accès aux résidences évolue.Pour des raisons budgétaires, notre capacité d’accueil studio est drastiquement réduite.
 Nous proposons des mises à disposition du studio Nord :
· 1 par mois pour une durée de deux semaines, soit environ 8 par an,
· des hébergements dans la limite des places disponibles,
· 4 services de notre directeur technique.
 Elles peuvent donner lieu à des temps d’ouverture publique, les Qu’est-ce qu’on fabrique ?

Les mises à dispositions pour l’année 2024 sont pourvues.
Merci de ne plus nous adresser de demandes pour cette période, nous ne pourrons y répondre favorablement.

Un appel à résidences avec de nouvelles modalités sera disponible sur ce site courant janvier 2024 pour l’année 2025

Les artistes en résidence pendant la saison

Vania Vaneau

Ambre et pourpre

lun. 05.02.24 > ven. 16.02.24

A l’image des phénomènes météorologiques et climatiques, les mythes cosmologiques nous racontent le surgissement de mondes à partir de la lumière et des ténèbres. Ainsi, Ambre et Pourpre sera un dialogue entre corps et lumière, ce ‘‘matériau incandescent ou bien nocturne, évanescent ou bien massif’’. De cette matière élémentaire, naissent des environnements, peuvent surgir et disparaître des vies, des micro-organismes jusqu’aux étoiles. Et ainsi donner consistance à des matières qu’on dit immatérielles : la couleur, l’espace, le ciel, l’horizon, la nuit…

Vania Vaneau
Formée à la danse au Brésil puis à P.A.R.T.S à Bruxelles, Vania Vaneau obtient ensuite une Licence de Psychologie à l’Université Paris 8 et suit une formation de Body Mind Centering. Elle a été interprète notamment chez Wim Vandekeybus, Maguy Marin, Yoann Bourgeois et Christian Rizzo avec qui elle continue de travailler.  De 2016 à 2020, elle est Artiste Associée avec Jordi Galí au Pacifique CDCN de Grenoble puis de 2020 à 2022 à ICI – CCN de Montpellier dans le cadre du dispositif du Ministère de la Culture et de la Communication. Pour la saison 2021-2022, Vania Vaneau a été Artiste en résidence au CN D Lyon. Elle poursuit le dispositif Artiste Associée avec ICI – CCN de Montpellier soutenu par le Ministère de la Culture jusqu’en 2024.
Créations :
- BLANC (2014) : solo accompagnée du guitariste Simon Dijoud, récompensée par le prix Beaumarchais-SACD (Festival Incandescences 2015)
- ORNEMENT (2016) et ORNEMENT#2 (2021): duo co-créé avec Anna Massoni
- ORA (Orée) (2019) : trio avec Marcos Simoes et Daphne Koutsafti
- NEBULA (2021) : solo en deux versions, extérieur et pour le plateau
Elle développe deux projets de transmission d’après son travail de création, Variation sur Blanc et CARNAVAL. Elle mène régulièrement des ateliers et formations autour de ses démarches artistiques.

Marcos Simoes

More or less humain

lun. 26.02.24 > dim. 03.03.24

More or Less Human part autant d’une étude sur l’esthétique de la peur que de l’idée de l’Art comme une communauté traversant l’espace et le temps.
La peur est une force ancienne qui a plus que jamais envahi notre réalité et nos fictions.
Je m’intéresse à la peur comme génératrice de formes et de mouvements.
Comment façonne-t-elle les choses ?
Je vais collecter des matériaux d’autres artistes dans l’idée d’élaborer une étude intuitive de l’iconographie de la peur – une stratégie pour la saisir en tant que force créatrice et m’aider à modeler le corps et autres matériaux.
Différentes œuvres d’art contaminent les artistes pendant leur processus de création. Cette circulation des signes à travers le temps rapproche étrangement des artistes d’aujourd’hui et d’autre fois, constituant une communauté, une voix collective.
Comment puis-je faire entendre cette voix qui s’accorde avec la peur ?
More or Less Human cherche à résonner une voix polyphonique qui reflète et agir sur le monde.

Marcos Simoes
Bien que le corps soit le matériau à partir duquel Marcos Simoes travaille, il utilise différents médiums tels que le dessin, la vidéo, l’image, le textile, les objets comme outils pour activer la réflexion et questionner des processus de faire. Il juxtapose des éléments disparates afin de créer un langage de relations, une poésie “imagée”. Ces performances sont des objets hybrides entre le visuel et le performatif, qui fonctionne comme un rite de relations. Les relations sont une stratégie pour dévoiler ce qui existe entre les choses, pour ouvrir des trous et des significations que nous ne contrôlons pas.

Emeline Nguyen

Même pas mâle

lun. 25.03.24 > ven. 29.03.24

Après 4 années de recherche sur la thématique des femmes et de leurs puissances, la chorégraphe Emeline Nguyen souhaite donner la parole aux hommes autour du sujet de la masculinité.
Cette recherche souhaite visiter comment la masculinité a été expérimentée, cadrée, interprétée, socialement construite à travers les époques et interroge la place du mot « virilité » dans notre société actuelle. Les matières de corps naviguent dans des espaces subtils entre puissance et vulnérabilité, domination et soumission, prise de pouvoir et effacement dans une danse vive et sensible à la fois.

Emeline Nguyen
Emeline Nguyen a travaillé avec les compagnies Stylistik (69), Kham (26), Pas de Loup (38), Ecrire un mouvement (64) qui l’amènent sur des scènes nationales, CCN, festival d’Avignon… Elle se forme en danse contemporaine au conservatoire puis suit un parcours professionnel de kinésithérapie, métier qu’elle exercera pendant 7 ans. Elle se forme au Contact-Improvisation, en Body Mind Centering® et en performance, ce qui lui donne multiples outils pour être exploratrice de sa danse. Nourrie d’expériences à la fois académiques et somatiques, elle visite aujourd’hui états de corps et gestuelles alliant fluidité, intériorité et martialité. Ses recherches s’articulent autour des thématiques féministes et les constructions sociales et culturelles qui façonnent notre intimité en tant qu’être humain.

Marion Sage, Anne Lepère

Baves

mar. 02.04.24 > ven. 12.04.24

Baves est un duo lesbien né dans un milieu rural autour de nouvelles pratiques : celle du jardinage et du troc, celle de la transformation et macération de ce qu’on produit. C’est une production lente qui se modifie en fonction des nouveaux essais du quotidien et des gestes appris à deux. On cherche à y exposer puis à distordre des actions pratiques et concrètes. Ces processus de transformations s’expérimentent aussi à l’intérieur de nos propres corps, de leurs liquides et fluides, pour qu’ils s’échappent un peu d’eux-mêmes et deviennent des entités multiples, joueuses, burlesques, nerveuses ou mélancoliques. On y parle des images qui ont travaillé nos gestes, en les creusant ou en s’en éloignant pour se rencontrer dans une parade amoureuse, dans une danse qui a lieu entre nos deux corps.

Marion Sage
Marion Sage est performeuse et chercheuse en danse. Sa thèse sur l’exil de danseureuses d’expression engagé·e·s à gauche lui permet de collecter certaines archives de l’histoire de la danse et de développer des outils d’analyse du geste pour performer et fictionner ces gestes passés. En parallèle à la recherche universitaire, elle suit la formation chorégraphique à l’Abbaye de Royaumont sur le thème de la citation en danse. En 2020, elle écrit son premier solo Grand tétras, à partir des archives d’un danseur communiste et jardinier Jean Weidt (1904-1988). Elle commence actuellement le solo Jument qui a pour point de départ le numéro de cabaret Le cheval composé dans les années 1940 par la danseuse féministe exilée du nazisme Julia Marcus (1905-2002). En ce moment, elle écrit également la pièce Baves avec sa partenaire de vie la créatrice sonore Anne Lepère, un duo qui émerge de nouvelles pratiques situées dans un quotidien rural et collectif. Marion travaille également avec d’autres chorégraphes/metteureuses en scène en tant que danseuse et performeuse (Lara Barsacq, Thibaud Le Maguer, Liaam Iman) ou regard sur le mouvement (Marthe Degaille, Danya Hammoud).

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Ivana Müller

Réparer l’invisible

mer. 24.04.24 > mar. 30.04.24

Avec Bojana Kunst (philosophe et théoricienne de l’art), nous souhaitons proposer un cadre de travail/rencontre à travers lequel différentes personnes peuvent partager leurs imaginaires sur la réparation collective. L’idée ici n’est surtout pas « d’apprendre » les concepts de réparations mais d’inventer et de partager des actions imaginatives, poétiques, collectives, métaphoriques de guérison et d’attention. Ces réparations peuvent trouver leur source dans la poésie, l’activisme social, la performance, l’urbanisme, l’anthropologie, l’architecture… Elles peuvent se métaboliser à travers différentes temporalités (sur l’instant, dans la durée, etc. ), prendre différentes formes (physiques, poétique, politiques, etc.) et peuvent être réalisées dans des endroits plus ou moins publics ou intimes de la ville.

Comme avec les précédentes pratiques que j’ai développées ces dernières années, j’envisage ce nouveau travail à travers une temporalité longue, laissant la place à l’imprévisible. J’espère également que cette nouvelle pratique puisse continuer et s’étendre de manière invisible, souterraine, en circulant entre différentes communautés, villes et lieux, qu’elle puisse grandir sur le principe d’un rhizome : une réparation discrète qui, presque invisiblement et intangiblement, tient toujours. J’ai envie de penser Réparer l’invisible comme une pratique chorégraphique sociale, un processus de guérison collectif, une « ré-création » du commun. La première pratique de Réparer l’invisible va avoir lieu au festival Mladi Levi à Ljubljana, fin août 2024, puis sera suivie par d’autres « réparations » à Grenoble, Paris, Athènes, etc.